Observatório do Cinema

Cinema: "X-Men: Primeira Classe"

2012-02-03T01:39:00.003-02:00

De “X-Men: Primeira Classe”, pouco esperavam os fãs e nada esperavam os demais. Mas não foi pela pouca expectativa que o filme acabou por surpreender à todos. A interação dos personagens de Charles Xavier (James McAvoy) e Erik Lensherr (Michael Fassbender) basilou a essência de toda a história. Dentro de uma atmosfera Hobbesiana e Rousseana, Xavier e Magneto são duas personalidades que se contrapõem. Distintos, um aceita a raça humana como desprezível e o outro acredita no homem equilibrado. De um lado, o humilde e sofredor, do outro, o riquinho e privilegiado. E de tal ambiguidade nasce uma amizade curiosa e invejável.

Como pano de fundo, uma atmosfera de Guerra Fria é retratada e consegue impulsionar a intenção dos roteiristas em mostrar questões fundamentais sobre a busca da aceitação pessoal, a evolução do ser humano e os conflitos raciais. O diretor Matthew Vaughn não deixa a trama histórica carente de criatividade e de boas cenas de ação. O filme é moderno, trazendo cenas memoráveis (como a da movimentação do satélite).

O longa, em linhas gerais, vai abordar a adolescência dos mutantes, a descoberta de seus poderes e suas consequências. Nesse contexto, Charles Xavier e Erik Lensherr são os responsáveis para tutelar os inexperientes mutantes a fim de impedir uma Terceira Guerra Mundial (objetivo do vilão Shaw). Porém, a amizade entre Xavier e Erik passa a revelar pontos divergentes entre os personagens, o que define o destino dos mesmos e que mais tarde dará origem a dois grupos distintos, a Irmandade (de Magneto) e os X-Men (de Chavier).

Michael Fassbender e James McAvoy estão geniais. Impulsão de um, equilíbrio de outro, pessimismo de um lado, do outro, otimismo, porém, o respeito mútuo é que torna a dinâmica dos protagonistas ainda mais complexa. Já Bacon criou um dos melhores vilões de toda a série, exibe concretude no papel, arrepia. Boa parte do longa também se concentra nos poderes dos outros mutantes, retratados como criaturas fascinantes, porém vítimizadas pela complexidade de suas condições anormais.

“X-Men: Primeira Classe” é um ótimo blockbuster, com qualificadas atuações e cenários, com uma montagem interessante sobre a Guerra Fria, e com um argumento simples, no entanto convincente. Qualquer filme que se propõe a explicar a origem de uma saga, já bem explorada, traz uma grande responsabilidade consigo, pois concluiu a imagem que o expectador (principalmente o grande fã) possui da história. Eis nesse filme uma delicada finalização da essência X-Men, um exemplo a ser seguido.

X-Men: Primeira Classe (X-Men: Primeira Classe), 2011, Estados Unidos, 132 minutos.

Cotação: 7/10

Cinema: "Transformers: O Lado Oculto da Lua"

2011-10-04T09:50:00.001-03:00

Seria inútil comparar Transformers: O Lado Oculto da Lua com seus predecessores não fosse isso fonte de comentários — positivos e negativos — a se fazer sobre o filme. Terceiro na franquia criada a partir dos brinquedos da Hasbro (que ainda antes viraram série animada para a tevê na década de 80), O Lado Oculto da Lua se distancia do extremo constrangedor que fora A Vingança dos Derrotados, de 2009, mas também falta com a sensação de novidade (e um até certo comedimento) que o primeiro Transformers trouxe em 2007.

Admitindo publicamente o fracasso artístico que a série tomou com o segundo capítulo, o diretor Michael Bay disse que se esforçaria para não cometer os mesmos equívocos no trabalho seguinte. As melhoras se observam na estrutura geral da trama, aqui um pouco mais coerente, e em algumas cenas de ação mais elaboradas. Mas ainda há o punhado de atores relegados a papéis coadjuvantes vergonhosos, as tentativas de humor inadequadas, as soluções toscas do roteiro e os vícios de filmagem do próprio Bay, por si só um incômodo à parte.

É curioso observar, no decorrer da franquia, como sempre foram os robôs que sustentaram a dramaticidade da história. Totalmente concebidos em computação gráfica, os "transformers" trazem expressões e movimentos muito mais verossímeis que os de qualquer ator em cena. Envolver-se com esses personagens é importante, claro, mas é visível que falta a identificação com os personagens humanos, que, à exceção vez por outra de Shia LaBeouf, não têm um mínimo desenvolvimento.

E Bay tampouco está preocupado com isso. Quando há suspensão dessas necessidades em favor de grandes sequências de ação, resta ver os méritos que ali se aplicam. Junto a um uso excelente do 3D e de ótimos efeitos visuais, O Lado Oculto da Lua se esquiva dos deméritos com não poucas cenas vibrantes, montadas com a cautela de se preservar o formato e carregadas com efeitos sonoros detalhados.

Transformers nunca escondeu suas intenções comerciais — de veículo de propaganda para diversas marcas à venda de produtos relacionados aos personagens. É de se lamentar que agora seja apenas isso a movimentar a franquia (que surgiu a partir do interesse pessoal de Steven Spielberg nos brinquedos). Um fracasso nas bilheterias poderia ser sinal para alertar os produtores a repensar os rumos dos filmes. Mas, com seu mais de bilhão em arrecadações mundiais, é difícil que alguém queira interferir.

Transformers: O Lado Oculto da Lua (Transformers: Dark of the Moon), 2011, Estados Unidos, 154 minutos.

Cotação: 6/10

Cinema: "Namorados para Sempre"

2011-09-26T22:00:00.014-03:00

O cineasta Derek Cianfrance diz que trabalhou na história de Namorados para Sempre durante doze anos. Chegou a escrever quase setenta tratamentos do roteiro (que foi praticamente descartado), enquanto realizava curta-metragens e documentários para ajudar a financiar a produção. A ideia surgiu com a separação de seus pais, quando ele tinha vinte anos, o que o impulsionou a buscar compreender o processo de formação e dissolução dos relacionamentos. Fiel à sua percepção, procurou desenvolver um conto de amor que refletisse a realidade e que, portanto, fosse capaz de criar conexão com seu público sem se apoiar em falsos convencionalismos de nula verossimilhança. O resultado, produto de imensa dedicação de todos os envolvidos, não poderia ser mais arrebatador.

O filme acompanha um casal, Dean (Ryan Gosling) e Cindy (Michelle Williams), em dois momentos de sua relação — o início e o colapso —, alternando-os na forma de fragmentos que expõem (não raro implacavelmente) as qualidades que ao mesmo tempo aproximaram e afastaram os dois jovens. Cianfrance pretendia filmar esses momentos no intervalo real de seis anos, algo que, além de utópico, certamente encontraria obstáculo na figura dos produtores. Porém, num árduo envolvimento com seus protagonistas, encontrou por onde extrair a densidade de que precisava. Após filmadas as cenas do início do romance, o diretor colocou Gosling e Williams para fazer as vezes de casal por um mês numa casa alugada, e aí, numa intimidade solidificada, eles exercitariam como desmantelar esse relacionamento.

A lógica estética e narrativa de Cianfrance, aliás, é cheia significado. Quando Dean e Cindy se conhecem, a câmera dá mais espaço aos atores, permite-lhes a experiência com certo distanciamento; já casados, além das mudanças naturais da fotografia pelo uso de outro tipo de câmera, há uma necessidade de se esquadrinhar cada reação, cada nuança dos personagens. Letras de músicas, objetos que se interpõe na cenografia e diálogos carregados de sentimento, por outro lado, completam uma abordagem de detalhes e metáforas reveladores.

Dean, jovem que não completou os estudos mas que é esforçado e inteligente, e Cindy, aluna aplicada que pretende cursar medicina, acabam ficando juntos, a despeito do amor que aos poucos surge de um pelo outro, por um evento que, não do melhor modo, funciona como um catalisador na aproximação dos dois. Há um jogo de conquistas, uma dedicação dele para com ela que estabelece uma reciprocidade de confiança e amizade; há carinho, há atração. Já casados e com uma filha, sob o peso da frustração e do arrependimento de objetivos não realizados, experienciando que, embora não desejem, não há mais nada ali capaz de sustentá-los juntos, o desfecho é doloroso.

Gosling e Williams, viscerais, entregam-se livres de qualquer vaidade a essa trajetória e transformação. Da juventude de sonhos e perspectivas, de paixão pulsante e do encanto de uma canção que os dois compartilham numa calçada, à decadência física e emocional que se observa em cada olhar e em cada inflexão, os atores parecem absorver cada partícula de ressentimento e condescendência que se formou durante aqueles anos e transpor a seus personagens com um realismo e sensibilidade perturbadores.

Namorados para Sempre, o título nacional, mesmo que criado com fins equivocados, é perfeito ao permitir ainda mais contraste com a força da história que é contada. A felicidade que ficará com os personagens é aquela daqueles momentos de idealização e romance que eles experimentaram no início, quando eram namorados. A convivência, se desgastou as possibilidades de se seguir assim, ao menos não apaga o que já foi vivido.

Um filme que descobre esse tema com tamanho realismo e razão não é frequente no Cinema, e por isso mesmo merece ser notado. Quando, mais que relevante, consegue ser comovente e devastador, é possível que se tenha uma obra-prima.

Namorados para Sempre (Blue Valentine), 2010, Estados Unidos, 112 minutos.

Cotação: 10/10

Cinema: "Carros 2"

2011-09-24T04:40:00.011-03:00

Desde que foi criado, o estúdio de animação Pixar conseguiu enorme prestígio e respeito junto ao público por sempre dar enorme importância ao desenvolvimento das histórias que seriam mostradas em seus filmes. É um cuidado que transpassa a mera trama ajeitada e os personagens carismáticos — são criações cheias de originalidade, dosadas com humor inteligente e equilibrado e, não raras as vezes, densas em suas abordagens mais dramáticas. É um desvelo irrestrito que se estende a todo processo e que, firmado num trabalho técnico que permite cada vez melhores resultados, origina obras visualmente impactantes e emocionalmente inspiradoras.

Carros 2, o filme do estúdio para esse ano, retoma os personagens do original de 2006, mas apenas isso. Se a princípio se formou algum desânimo acerca de a Pixar querer dar continuidade a um de seus produtos menos nobres, é bom ver que o que se tem aqui é uma aventura vigorosa, muito divertida e encantadora em referências e estilo, mesmo que não traga comentários e discussões tão pertinentes quanto outros trabalhos da casa. A recepção morna que a obra teve por crítica e público, portanto, parece mais resultado de se manter os votos de descrédito já alimentados há tempo com o projeto, do que de se deixar envolver por ele.

Agora é Mate, o principal personagem cômico de Carros, quem assume os eventos centrais da história. Ele acompanha Relâmpago McQueen quando este é chamado a uma série de corridas internacionais destinadas a confirmar a eficiência de um novo biocombustível, mas, ao ser tomado como um agente americano, acaba se envolvendo numa trama de espionagem que procura relações entre uma formação de carros antigos e os acidentes que vem acontecendo no torneio de corridas.

Porém, se no primeiro filme McQueen ia de carro egoísta e arrogante a um personagem que encontrou na amizade e no amor melhores valores, aqui Mate vai do atrapalhado inconveniente ao atrapalhado-que-salva-o-mundo, algo de pouco efeito dramático. Mais evidente é que tampouco se vê no guincho-mecânico uma evolução de qualidades, já que aparentemente são os outros carros que se mostram injustos e inflexíveis — uma condescendência nada sutil com o protagonista.

Esse raso desenvolvimento, entretanto, é contrabalançado por uma estrutura firme de ação e suspense, com ritmo ágil, investidas cômicas precisas e animação elaborada — as características dos carros são aproveitadas ao máximo para se desenharem expressões; há carros lutadores de sumô, carros-gueixas, o carro-Papa, carros da realeza inglesa; e tudo se apresenta num show de formas, brilhos e reflexos deslumbrantes. É, enfim, uma exposição de criatividade, que torna a narrativa atraente e envolvente.

Carros 2 foi pensado como continuação antes mesmo do lançamento do primeiro filme, e é um bom exemplo de projeto de ambições pessoais dentro de uma empresa tão diversa quanto a Pixar (o diretor John Lasseter, sabe-se, é fascinado por automóveis). Mas, como poucas franquias, foi sensata em não se repetir, alternando ambientes e tramas — com Michael Giacchino substituindo à perfeição Randy Newman, aliás — e apresentando novos personagens — Finn McMíssil, o melhor deles, com vastas referências ao universo de 007. Nessa tendência do estúdio de criar sequências (em 2013 ainda chega Monstros S.A. 2), e oferecendo uma produção tão agradável, ainda não foi o caso de se ter uma decepção.

Carros 2 (Cars 2), 2011, Estados Unidos, 106 minutos.

Cotação: 7/10

Cinema: "Kung Fu Panda 2"

2011-09-20T08:00:00.005-03:00

Em Kung Fu Panda 2, continuação do excelente Kung Fu Panda de 2008, o panda Po, agora já estabelecido como o Dragão Guerreiro, resguarda o Vale da Paz com os Cinco Furiosos e a supervisão do Mestre Shifu. Mas surge uma ameaça, na figura de um príncipe pavão que quer dar fim às artes do kung fu e dominar a China. Mais uma vez, então, Po terá de passar por uma trajetória de autoconhecimento e aprendizagem — dessa vez mais árdua e na qual terá de confrontar-se com revelações de seu passado e suas origens — para finalmente ser capaz de deter o temível Lorde Shen, o vilão que quer subjugar seus povos conterrâneos.

Embora não traga o ar de novo que o original apresentou à época do seu lançamento, Kung Fu Panda 2 esforça-se em ao menos manter muito do que funcionou muito bem naquele filme: o ritmo ágil, um deslumbre de cores e formas, coadjuvantes complexos e uma animação de elementos que alcança níveis quase inacreditáveis. Nesse sentido, é obrigatório mencionar a concepção de Lorde Shen, que, segundo a diretora Jennifer Yuh, foi tão difícil quanto se criarem seis personagens ao mesmo tempo. E o resultado é formidável: em que pese a profundidade da história do vilão, há todo um cuidado notável na realização de cada movimento seu, desde as sublimes coreografias de luta até as hesitações na fala e as expressões mais finas. Por outro lado, podem-se ver repreensíveis escolhas comerciais por trás do desenho de outros bichos (como Tigresa e Po), já que prejudicam o filme com mais artificialidade ao fazê-los parecerem de pelúcia.

A obra também perde força com muitas tentativas frustradas de humor, dispensando sutilezas em favor de piadas rasas e condescendentes — e numa frequência quase que comprometedora. Felizmente, há uma boa quantidade de momentos dramáticos muito bem realizados que equilibram a narrativa. Dentre esses, uma cena belíssima em que, emulando O Rei Leão, o reflexo do protagonista na água serve-lhe de catarse e indica seu destino.

Novamente trazendo a inestimável contribuição de Hans Zimmer e John Powell na composição da música original e com um trabalho técnico que assegura à DreamWorks posto entre os mais competentes estúdios de animação em atividade, Kung Fu Panda 2 tem vigor suficiente para se sustentar enquanto sequência, já que insere novos temas e busca novas tramas no rico universo que o primeiro filme introduziu três anos atrás. Continuações já estão praticamente asseguradas, tanto no gancho que deixa a seu final como no marco de maior bilheteria de um filme dirigido por uma mulher — atualmente tendo ultrapassado os 660 milhões de dólares.

Kung Fu Panda 2, 2011, Estados Unidos, 91 minutos.

Cotação: 7/10

O Cinema dos anos 1950: "O Mensageiro do Diabo"

2011-09-10T23:30:00.011-03:00

(Observação: este texto expõe detalhes da trama do filme.)

Guardai-vos dos falsos profetas. Eles vêm a vós disfarçados de ovelhas, mas por dentro são lobos arrebatadores.

Fracasso de crítica e público à época de seu lançamento, não raro é ver atualmente O Mensageiro do Diabo sempre entre as primeiras posições em listas de melhores filmes de estreia de diretores ou mesmo de melhores filmes de atores na função de diretor — é, enfim, um clássico aclamado, que recebeu seu reconhecimento com o tempo. O notável ator inglês Charles Laughton assumiu o projeto após uma série de empreendimentos na direção de teatro, levando o best seller homônimo de Davis Grubb às telas em 1955.

Na história, Harry Powell é um pregador que usa suas artimanhas religiosas para enganar e assassinar mulheres viúvas e roubar-lhes o dinheiro. Após um desses eventos, o reverendo é capturado por andar num carro furtado e levado à prisão por um mês. Lá fica na mesma cela de Ben Harper, fazendeiro sentenciado à morte na forca por ter matado dois homens e roubado a considerável quantia de dez mil dólares. A época é a da Grande Depressão, e o latrocínio de Harper foi para garantir à sua família melhores condições nesses tempos difíceis. Logo antes de ser levado preso, ele consegue entregar a soma aos filhos, exigindo-lhes a promessa de nunca contar a ninguém sobre onde ela está escondida, inclusive à mãe; caberá ao mais velho administrar o dinheiro no futuro. Na cadeia, Powell acaba tomando conhecimento da situação, imediatamente definindo sua nova vítima. E assim iniciará sua brutal e irrefreável perseguição.

No papel do reverendo está Robert Mitchum, um quase símbolo sexual e de rebeldia na época. Sua personificação do mal é um marco, no que sua face permitiu tamanha identificação, e sua voz, tamanha ambiguidade. Nos dedos de suas mãos, 'amor' e 'ódio' estão tatuados, e sua explicação sobre como um sentimento subleva o outro é antológica — e no filme, é apenas mais uma forma de ele conquistar a confiança das pessoas à sua volta. Dentre elas, Willa (Shelley Winters), viúva de Harper, com quem, não demora muito, acaba se casando. A filha mais nova, Pearl, logo cria simpatia pelo sujeito, mas seu irmão, John, aos poucos vai percebendo suas verdadeiras intenções e o vê com receio.

Ao perceber que a mulher pode se tornar um obstáculo, e que são os filhos quem ele deve pressionar para encontrar o dinheiro, ele a executa — em outra grande cena, na qual são nítidas, na iluminação e na direção de arte, referências ao expressionismo alemão. Mas não só: Mitchum, articulando-se como se realizasse um ritual, exala terror e medo.

As crianças, então, fogem com o dinheiro. Num barco, percorrem o curso de um rio até encontrar uma senhora religiosa (Lillian Gish) que os acolhe — num segmento fantástico em que, filmado exclusivamente em cenário, a fotografia incorpora a visão das crianças de bem e mal em contrastes sublimes de luz e sombra, criando sequências quase oníricas. Powell, sempre no encalço, logo as encontra. Um embate se forma (mais um momento espetacular), e os destinos dos personagens se definem.

Laughton buscou no Cinema de D. W. Griffith influência para sua obra — nas técnicas de montagem e cinematografia e no clima dos filmes mudos. No processo, a contribuição do diretor de fotografia Stanley Cortez foi inestimável, uma vez que o diretor tinha pouco domínio de estratégias de filmagem. Mas sua dedicação era absoluta: chegava a exigir a presença constante do montador e do diretor de arte enquanto rodava o filme, acreditando que isso ajudava no processo criativo. Também o compositor Walter Schumann foi trazido aos sets, após um notório episódio em que, ao conceber a cena do assassinato, Cortez disse que a sentia como uma valsa — Laughton imediatamente mandou chamar o músico, que passou a compor durante as filmagens, numa tradução musical do que era expresso visualmente.

No entanto, a condução de alguns atores pareceu ser por vezes penosa. Winters, cuja atuação parece confundir-se com as fragilidades de sua personagem, tinha dificuldades em entregar o que o diretor queria. Também os atores mirins (fala-se inclusive que Laughton não gostava de crianças), Billy Chapin e Sally Jane Bruce, que, entretanto, estão competentes em seus papéis, especialmente o menino, que mostra particular sensibilidade em diversos momentos. Por outro lado, foi um prazer para o diretor ter Gish (célebre atriz dos filmes de Griffith) no elenco, e esta irradia bondade e determinação, num de seus trabalhos mais elogiados.

Porém, foi em Mitchum, invariavelmente, que o diretor depositou a credibilidade da produção. Sua interpretação, absoluta em cinismo e perversidade, é a força que move e justifica toda a história. E é por ele que alguns dos temas mais relevantes da obra são levantados: da frustração e repressão sexual, uma vez que o pregador acredita estar fazendo um trabalho divino com seus crimes, matando mulheres vaidosas ou libidinosas (há duas cenas que explicitam isso, uma das quais, ainda no início do filme, bastante sugestiva), o que dialoga, claro, com a crítica à hipocrisia religiosa — e Laughton permite que em muitos momentos Mitchum pese na desfaçatez de seu personagem, evidenciando ainda mais essa intenção.

Filme a que a definição de gênero não cabe, e que em boa parte se desprende de um compromisso de realidade que possivelmente daria a tramas como essa maior verossimilhança, O Mensageiro do Diabo sofreu justamente por sua peculiaridade: a divulgação foi parca e difícil, já que os executivos não sabiam como promovê-lo. Arrecadou pouco em bilheteria e não foi nenhum sucesso entre a crítica especializada, o que afetou profundamente Charles Laughton — que duvidava até mesmo de seus trabalhos mais celebrados, e que não mais voltou a dirigir. Pode-se repreender o filme, talvez, por apresentar um tanto depressa muitas de suas resoluções, e, vez por outra, pelos excessos de atuação, mas há todo um fascínio por trás dessa visão tão deslumbrante e original de Laughton, que se podem relevar esses detalhes. Não se pode relevar, contudo, que Cinema provavelmente tenha sido privado de mais obras tão distintas.

O Mensageiro do Diabo (The Night of the Hunter), 1955, Estados Unidos, 93 minutos.

Cotação: 8/10

Cinema 2011: ranking março-abril

2011-08-31T01:00:00.000-03:00

Nesse segundo bimestre, o maior número de estreias originais de 2011 possibilitou a formação de um ranking mais interessante e acirrado que o anterior. Assim, certos filmes acabaram ficando com o mesmo valor de média final — e então empatados na mesma posição.

Relembrando que para o ranking são considerados filmes com estreia original em 2011 em seus países de origem. Em Ainda estrearam, as produções do período que não conseguiram entrar na lista. Em Filmes remanescentes, as estreias de anos anteriores que só agora estão chegando comercialmente ao país e que foram avaliadas pelos editores.

#1 | Thor [7]

Embora consiga apresentar com certa eficiência seus temas e tramas, não se pode isentar o filme pela falta de desenvolvimento apropriado que algumas situações requeriam. Além disso, a desconsiderar os vínculos e obrigações que toda adaptação tem com seu material de origem, é visível que a estrutura aqui fica amarrada a uma espécie de preparação para algo maior, uma ligação burocrática que certamente priva da história certos rumos e liberdades. Mesmo assim, Thor é agradável, visualmente encantador e divertido. Branagh, afinal, mostrou ser o diretor adequado. (resenha completa) (Mateus)

#2 | Rio [6]

O filme tem seus meios de compensar a sessão: os protagonistas ganham em carisma e conseguem momentos envolventes; há os coadjuvantes divertidos, tipicamente representando as melhores investidas de humor; têm-se belos arrebatamentos de pura contemplação visual, por vezes focando em pontos turísticos da cidade; e há uma boa porção de canções originais que pontuam bem diversas cenas, criadas para a trilha sob a supervisão do talentoso Sérgio Mendes. O que, entretanto, não é suficiente para fazer de Rio um trabalho criativo, importante ou memorável. Uma boa aventura, mas enfraquecida pela abordagem romantizada e simplista de seu diretor. (resenha completa) (Mateus)

__ | Sem Limites (Limitless) [6]

Visualmente fascinante e com uma ideia atraente, Sem Limites é uma ótima surpresa em tempos de refilmagens, continuações e readaptações. A direção mostra inteligência e criatividade, especialmente na comunicação com os outros elementos da narrativa, notadamente a fotografia e a montagem — o que não só assegura o interesse no produto original que o cineasta tem em mãos, mas também o justifica. No elenco, Bradley Cooper conduz com segurança o papel principal, apoiado também por ótimos coadjuvantes. (Mateus)

#3 | Rango [5,8]

O diretor declarou que Rango foi feito tendo-se em vista uma concepção live action, e é fácil percebê-lo desta forma. É, a resultado das escolhas dos cineastas, uma obra inovadora — tanto em visual quanto em narrativa. Seu centro, a ser olhado com sensibilidade e entendimento, pode identificar-se mais facilmente com uma plateia mais madura, mas há ali também a emoção e a diversão para seduzir os mais jovens. De qualquer forma, a profundidade e o deslumbre de um faroeste intimista com traços místicos, que refere e celebra o Cinema e criado à luz da inteligência e da tecnologia, não deve ficar à dúvida: é imperdível. (resenha completa) (Mateus)

#4 | Água para Elefantes (Water for Elephants) [5]

Romance de época que, se tem efeito, é talvez apenas nessa reprodução histórica, Água para Elefantes é um filme arrumadinho, bonitinho, mas ordinário. Como protagonista, Robert Pattinson exibe completa falta de expressão e carisma, sendo a ponta mais fraca de um elenco que traz pouca correspondência. Previsível e piegas, é amenizado pela presença magnética de Hal Holbrook — que, mesmo em poucas cenas, até faz esquecer que se trata da versão mais velha do personagem de Pattinson. (Mateus)

__ | Pânico 4 (Scream 4) [5]

Conseguindo manter uma tênue linha com os filmes anteriores, Pânico 4, obviamente, falha ao tentar assustar com os truques típicos do gênero, mas satisfaz com sua graça, a qual se reflete principalmente em uma auto-paródia. Wes Craven assume os clichês como arma principal e, explorando a metalinguagem, torna seu filme um clássico e razoável produto de entretenimento. Porém, o longa não deixa de ser primitivo em seu roteiro, não desenvolve a história de seus personagens adequadamente e possui uma obviedade importuna. (Flávia)

__ | Passe Livre (Hall Pass) [5]

Bobby e Peter Farrelly, já não bastasse um histórico de ótimas direções dentro do gênero, conseguem, aqui, realizar um trabalho nem tão surpreendente, mas satisfatório, considerando o quão difícil que hoje se tornou realizar uma boa comédia, ainda mais com pontas de romance. Com um argumento simples, mas que rende algumas cenas engraçadas, Passe Livre é um prato cheio de situações inusitadas e apelação sexual, deixando de lado boa parte da originalidade típica dos irmãos Farrelly. (Flávia)

#5 | Sucker Punch: Mundo Surreal (Sucker Punch) [3]

As cenas iniciais, anteriores à chegada da protagonista ao manicômio, são de uma praticidade e beleza necessárias: em câmera lenta e sem qualquer fala, Snyder conduz a ação com precisão e cuidado. Ao que decide pelo esgotamento desses e de seus outros recursos ao longo filme, acaba por cansar seu espectador. O surreal a que se refere o subtítulo brasileiro, então, só pode evidenciar uma coisa: como é sem graça uma mente rebelde. (resenha completa) (Mateus)

Ainda estrearam: Eu Sou o Número Quatro [2,4], Fúria sobre Rodas [2], A Garota da Capa Vermelha [2], Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles [1,6], Esposa de Mentirinha [1], Hop: Rebeldes sem Páscoa [1], Sexo sem Compromisso [1], As Mães de Chico Xavier [0], A Antropóloga [não avaliado], Assassino a Preço Fixo [NA], Corpos Celestes [NA], Gnomeu e Julieta [NA] e Vovó... Zona 3 [NA].

Filmes remanescentes: Cópia Fiel [8], Homens e Deuses [7], Sobrenatural [6] e Uma Manhã Gloriosa [4].

Cinema: "Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas"

2011-08-28T21:00:00.016-03:00

Franquia bilionária, Piratas do Caribe alcançou grande sucesso na última década ao trazer para o Cinema uma combinação um tanto peculiar, envolvendo piratas, humor e bastante ação. Johnny Depp integrou mais um personagem atípico à seu histórico de interpretações, e seu Jack Sparrow tornou-se um ícone. No entanto, muito do êxito da série deveu-se à consistente direção de Gore Verbinski, que coordenou uma trilogia de proporções épicas sem maiores problemas, imprimindo-lhe ousadia, criatividade e um verdadeiro senso de aventura. Decepcionante é ver, então, que o principal equívoco deste novo Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas resida justamente em seu diretor, Rob Marshall.

Com modificações que pretendem transformar este episódio num novo início para a franquia, Navegando em Águas Misteriosas falta com o ritmo, com o humor e com os seus personagens, revelando uma combinação sintomática de maus roteiro, montagem e direção. A trama, tão compatível com a ideia de aventura, não atrai; as piadas, criadas e interpretadas sem qualquer inspiração, soam inconvenientes à narrativa; e a história, que revela e descarta elementos à sua vontade, segue linhas previsíveis. Ao elenco se juntam Penélope Cruz e Ian McShane, mas que só fazem constranger, num lamentável desperdício de talentos que abrange também o próprio Depp e o tão divertido Geoffrey Rush, que aqui destoa com tanto exagero.

Na função de conduzir a ação e ordenar os elementos narrativos, Marshall entrega um trabalho sem brilho, sem perícia, redundante e cansativo. O que a trilogia de Verbinski tinha de interessante, aqui se perde: as batalhas e confrontos entre os personagens não envolvem, normalmente se fazendo notar o trabalho dos dublês, o que sempre tira credibilidade do que é mostrado, e especialmente desaparecem toda a violência e tensão que, mesmo amenizadas nos filmes anteriores, eram tão necessárias ao tom de perigo e seriedade das cenas. O único momento em que Marshall se atreve a tanto é quando, já lá no final, o vilão aparece se deteriorando e aponta sua mão esquelética à tela, numa ótima composição de efeitos visuais que evoca todo esse clima de temor — o qual, afinal, adicionaria tanto à Navegando em Águas Misteriosas, além de fazer jus a seu título.

Continuando o trabalho formidável nas composições musicais da série desde que assumiu o posto no lugar de Klaus Badelt (de A Maldição do Pérola Negra), dessa vez Hans Zimmer se associa com a dupla de violonistas mexicanos Rodrigo y Gabriela e apresenta uma trilha vibrante e original, à qual o filme nunca corresponde. E tampouco corresponde à arrecadação estrondosa (impulsionada pelo valor dos ingressos das sessões em 3D), que o coloca na oitava posição entre as maiores bilheterias de todos os tempos. Todo esse dinheiro certamente assegurará a produção de mais continuações, mas, a não ser que ocorra alguma reinvenção na franquia, Piratas do Caribe seguirá o curso daquelas que poluem os cinemas todos anos e que pouco lembram o ânimo de suas origens.

Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas (Pirates of the Caribbean: On Stranger Tides), 2011, Estados Unidos, 136 minutos.

Cotação: 4/10

Cinema: "A Onda"

2011-08-16T23:56:00.006-03:00

A Onda, obra baseada em fatos reais, explica o sucesso (ou não) de um experimento realizado na Cubberley High School (Palo Alto, EUA), no ano de 1967, quando o professor Ron Jones decidiu mostrar aos seus alunos até que ponto alguns alemães foram capazes de alegar ignorância sobre o massacre dos judeus durante o Holocausto. Jones criou um movimento denominado A Terceira Onda, o qual inspirou, além desse filme, um livro e, até mesmo, um musical.

O longa conta a história do professor de ensino médio, Rainer Wenger (Jürgen Vogel), que, contra a sua vontade, acaba por ministrar uma matéria sobre autocracia. Notando o desinteresse na aula por parte dos estudantes, o professor propõe um breve experimento envolvendo a formação de um grupo regido por um líder autocrático. Aos poucos o mestre vai demonstrando como a base de uma ditadura se forma e como ela se solidifica, ilustrando quais seriam as estruturas psíquicas que teriam a capacidade de preparar uma população para receber um governo despótico e unificado.

Dirigido pelo jovem Dennis Gansel, e com um elenco de adolescentes estreantes, A Onda se destaca pelo seu Cast and Crew impecáveis. Seguindo uma linha de trabalho que se assemelha ao longa A Fita Branca, a obra de Gansel procura retratar o complexo psicológico que circunda a manifestação do nazismo, tentando ser um elo de esclarecimento para as atrocidades cometidas durante a Segunda Guerra Mundial. O filme também retrata de forma geral, mas reflexiva, o comportamento da juventude alemã, tema tão recorrente na produção cinematográfica deste país, como, em Adeus, Lênin! e em Edukators. Destaque para a ótima trilha sonora de Heiko Maile, a qual consegue expressar a rebeldia do grupo através de canções que vão desde Ramones ao tradicional indie rock alemão.

A história se desenvolve a partir de conceitos básicos capazes de abrir espaço para uma tirania, como, o descontentamento de um povo, a força pela disciplina, a criação de um uniforme, o invento de uma saudação comum, a formação de uma comunidade gerida por uma unidade de poder e a elaboração de um símbolo unificador. Assim, o movimento A Onda vai sendo estruturado e aceito pela maioria dos estudantes, depositando, em cada um deles, um sentimento de pertencer a comunidade, de fazer parte de uma massa unificadora, acarretando, portanto, em uma força enérgica que ganha destaque e respeito dentro da escola. Ao mesmo tempo, a nova formação, de tão unificada, passa a ser facilmente manipulada, ganhando uma consciência coletiva que transpassa a consciência particular, diminuindo o espaço da reflexão individual, o que torna o grupo perigoso e coletivamente irracional.

Dessa forma, poder-se-ia dizer que a unidade social começa a fugir totalmente do controle de seu líder, o professor Rainer. Porém, em seu íntimo, o próprio líder é conquistado pela formação que suscitou e pelo reconhecimento que lhe foi atribuído, sendo condizente, ou, no mínimo, omisso em relação ao caminho que se grupo passa a traçar. Eis aí uma das complexidades da política tirana. Ao perceber a amplitude ilegítima que o bando atingiu, o professor decide denunciar aos estudantes o enfraquecimento do sujeito crítico que se instalou em cada um deles, devido ao poder carismático da liderança e devido ao fanatismo diante da adoção de objetivos específicos de grupo.

No filme, os sentimentos da nação alemã referentes à culpa e ao ódio da sua própria história são retratados de forma rasa. Os jovens estudantes, preocupados com a reputação pessoal no colégio, parecem ignorar os efeitos da unidade social sobre os mesmos, descartando a possibilidade de um governo autoritário surgir na esfera escolar.

Muitas das consequências que a experiência irá causar na vida dos adolescentes poderão, de certo modo, parecer exageradas aos olhos do expectador, porém, se levarmos em consideração os jovens envolvidos e os seus problemas pessoais, observamos que sempre há seres humanos mais suscetíveis, os quais serão atingidos de forma mais forte, como o personagem Tim (Frederick Lau), por exemplo. Neste microcosmo nazista, podemos perceber também algumas identidades esparsas (Karol, por exemplo), que resistem e militam contra a nova formação.

Em uma análise social, percebe-se que a ideia atualmente dominante de que as ações destinadas ao fomento e ao aperfeiçoamento dos direitos humanos são suficientes, é errônea. Esses valores universais humanitários devem ser incessantemente reforçados e trabalhados, a fim de evitar que o fenômeno do holocausto se estabeleça em qualquer grau de poder e espaço social. Assim como preconiza Zygmunt Bauman, não se deve "germanizar" o sentimento nazista, pois o germe da possibilidade de alguém se tornar um simpatizante de tendências nazistas está na essência do ser humano e se encontra enraizado na estrutura da sociedade moderna, sendo que hoje, pequenos movimentos fascistas ocorrem em menor grau, mesmo no alto estágio de civilização que nos encontramos. É nesse sentido que o filme A Onda vem nos alertar.

A Onda (Die Welle), 2008, Alemanha, 107 minutos.

Cotação: 7/10

Cinema: "Thor"

2011-07-30T18:00:00.012-03:00

Assim como muitos outros projetos para o Cinema, a ideia de um filme baseado nos quadrinhos de Thor passara por diversos possíveis diretores, roteiristas e elencos durante as duas últimas décadas. Acabou, por fim, entrando na série de lançamentos de super-heróis da Marvel a preceder a produção que os unirá — Os Vingadores, em 2012.

Thor é príncipe de Asgard (um dos nove mundos que, na mitologia nórdica, formam o universo), e está prestes a assumir o comando do reino das mãos de seu pai, Odin, quando a cerimônia é interrompida ao se perceber a invasão dos Gigantes do Gelo no castelo. Vendo aí quebrada a trégua que mantinha esses dois povos em paz há anos, Thor, exaltado e irrefletido (e desobedecendo a seu pai), reúne um grupo e vai até o outro planeta tirar satisfação com os invasores. A situação sai de controle, e Odin, sensato e respeitoso, intervém. A desordem é punida severamente: Thor é privado de seu martelo (sua fonte de poder) e expulso à Terra. Tão logo chega, num deserto, é atropelado por um grupo de cientistas que pesquisava fenômenos astronômicos no local — e estes logo se tornarão aqueles com quem aqui formará laços e que acompanharão sua gradual mudança de comportamento. O romance que logo se forma com Jane Foster (Natalie Portman), uma das cientistas, será, claro, catalisador deste processo. Enquanto verifica meios de voltar à sua terra, em Asgard seu irmão, Loki, conduz planos para se tornar o novo rei.

Pelo seu histórico de trabalhos, a escolha do irlandês Kenneth Branagh para a direção pareceu, a princípio, inusitada. No centro de Thor, intrigas familiares, lutas pelo poder, peripécias em terras estrangeiras: temas que o diretor conhece bem, em seu longo currículo de adaptações de obras de Shakespeare para o Teatro e o Cinema. Comandar um blockbuster, no entanto, era exatamente o desafio que Branagh procurava. Após ser ligado ao projeto, persistiu na ideia de localizar a história no mundo contemporâneo, a fim de poder estabelecer um choque cultural do protagonista com a sociedade atual, e daí, além do drama, tirar algum humor.

Que está presente (conduzido em boa parte pela personagem de Kat Dennings) e, embora inicialmente possa parecer deslocado ou mesmo desnecessário, é abordado de forma bastante prática pelo cineasta. O mesmo se aplica a certos virtuosismos visuais, como o uso recorrente de ângulos inclinados: Branagh não desperdiça tempo da narrativa deslumbrando-se com a própria habilidade (ou, no caso anterior, permanecendo na tirada cômica), e logo corta para a cena seguinte. De certa forma, talvez, essa economia pode até ser usada para justificar o quase abrupto arco dramático por que Thor passa — afinal, toda história parece transcorrer num período de poucos dias. Não que tudo se resolva por aí: no clímax, há um momento em que, após recuperar seus poderes, o herói vira-se para um agente da SHIELD e diz que irá colaborar com a organização caso seja devolvido a Jane o material que lhe fora tirado, e então corre para tentar retornar a Asgard — numa tentativa forçada dos roteiristas de amarrar pontas soltas da narrativa.

Alguns podem também acusar o filme de convencional, lugar-comum, cafona, especialmente no desenvolvimento do seu romance e na resolução dos conflitos familiares. Mais uma vez, entretanto, a direção de Branagh parece imaculada. Tudo é conduzido, encenado e interpretado de forma que o resultado surge sincero, verossímil e tocante — às vezes até ingênuo. Vale então mencionar, aqui, que no campo das atuações ao menos duas são excelentes: a do próprio Chris Hemsworth, que faz o personagem-título (e que anteriormente teve apenas um papel numa produção maior, como o pai do capitão James Kirk no Star Trek de J. J. Abrams), e a de Tom Hiddleston, que faz seu irmão. Enquanto o primeiro dá toda a densidade e credibilidade de que Thor precisa, o segundo vai aos poucos desvelando as intenções e camadas de personalidade de Loki — e ambos conseguem justificar as transformações experimentadas por seus personagens, mesmo que no roteiro elas não recebam o melhor tratamento.

Porém, embora consiga apresentar com certa eficiência seus temas e tramas, não se pode isentar o filme pela falta de desenvolvimento apropriado que algumas situações requeriam. Além disso, a desconsiderar os vínculos e obrigações que toda adaptação tem com seu material de origem, é visível que a estrutura aqui fica amarrada a uma espécie de preparação para algo maior, uma ligação burocrática que certamente priva da história certos rumos e liberdades. Mesmo assim, Thor é agradável, visualmente encantador e divertido. Branagh, afinal, mostrou ser o diretor adequado.

Thor, 2011, Estados Unidos, 115 minutos.

Cotação: 7/10

Cinema: "Rio"

2011-07-16T08:35:00.007-03:00

Blu é uma arara azul, último macho de sua espécie, que vive em Minnesota com sua dona, Linda. Quando filhote, foi raptado das florestas do Rio de Janeiro e, enquanto era contrabandeado para os Estados Unidos, o caminhão que o transportava sofreu um pequeno acidente, deixando cair a caixa em que estava. A pequena Linda o encontrou e o tomou sob seus cuidados, formando forte conexão com o pássaro, o qual a acompanhou nos momentos mais importantes de sua vida. Tamanha dedicação lhe renderam certos melindres, e assim Blu nunca viu necessidade de, por exemplo, voar. Quando o ornitólogo brasileiro Túlio por acaso acaba o encontrando, convida dona e animal a passarem algum tempo no Rio, onde há uma arara fêmea, Jade, e, portanto, a possibilidade de perpetuação da espécie. Já no Brasil, a hesitação de Linda então encontra justificativa ao saber que ambas as aves foram sequestradas. E estas, acorrentadas uma à outra, terão de sobrelevar as diferenças (muitas; certamente as vivências completamente distintas criaram hábitos intangíveis) para tentarem se salvar, encontrando no caminho a ajuda de diversos animais e a oposição de alguns outros.

A direção é do cineasta carioca Carlos Saldanha, que vem trabalhando no ramo de animações desde a década de 90, tendo realizado junto a Blue Sky sucessos de público como a trilogia A Era do Gelo. Rio, projeto pessoal que Saldanha desenvolvia há anos, acaba se estabelecendo como uma homenagem à sua cidade natal — e no processo acaba relevando muitas coisas.

Primeiro, a força da história. Rio, embora uma obra original num ano dominado por continuações cinematográficas, tampouco faz por merecer muito crédito. Além dos vários lugares-comuns narrativos (e piadinhas físicas obsoletas), o roteiro pouco se empenha no desenvolvimento de seus personagens, rendendo-se principalmente a sequências de ação ou de deslumbramento da cidade. Nada mais trágico, no entanto, que suas tentativas musicais, que não mostram qualquer traço de inspiração ou encantamento, e normalmente surgem deslocadas, prejudicando o ritmo da narrativa.

Segundo, a relevância da história. Era esperado e em parte justificado que muitos dos problemas do Rio de Janeiro fossem suavizados ou ignorados na concepção do filme, mas o que acaba ficando é uma visão quase idealizada das coisas, privando de Rio certos traços de complexidade que talvez deixassem a história mais interessante. Ainda, a se considerar o poder, ativismo e denúncia que certas animações conseguem transmitir, o que se vê aqui é então mais uma oportunidade desperdiçada. E que não se fale que, por essas escolhas, Rio é despretensioso. Mais adequado seria dizer que é preguiçoso.

Terceiro, o visual da história. Com desenhos de traços grossos e sem muito rebuscamento, a obra perde em detalhes e não raro se entrega ao cartunesco, o que mostra que também não traz grandes avanços na parte técnica (ficando separado, neste sentido, por um abismo a outras animações do ano, especialmente Rango).

Ainda assim, o filme tem seus meios de compensar a sessão: os protagonistas ganham em carisma e conseguem momentos envolventes; há os coadjuvantes divertidos, tipicamente representando as melhores investidas de humor; têm-se belos arrebatamentos de pura contemplação visual, por vezes focando em pontos turísticos da cidade; e há uma boa porção de canções originais que pontuam bem diversas cenas, criadas para a trilha sob a supervisão do talentoso Sérgio Mendes. O que, entretanto, não é suficiente para fazer de Rio um trabalho criativo, importante ou memorável. Uma boa aventura, mas enfraquecida pela abordagem romantizada e simplista de seu diretor.

Rio, 2011, Estados Unidos, 96 minutos.

Cotação: 6/10

Cinema 2011: ranking janeiro-fevereiro

2011-06-20T23:05:00.004-03:00

Uma das novas seções que o Observatório do Cinema irá apresentar em 2011 são os rankings bimestrais de estreias no cinema. Serão considerados apenas os filmes de lançamento original (no seu país de origem) no ano corrente e que estrearam no Brasil no mesmo ano, dos quais, a cada dois meses, serão listados os cinco com melhor avaliação (a partir de cálculo de média harmônica das notas dos editores do blog, representada entre colchetes). Assim, apesar de carregar certa injustiça ao não incluir importantes estreias que chegam ao país com grande atraso, o contexto de lançamento original é preservado, com a base de comparação justificada no ano de produção dos filmes. Pretende-se que esses rankings sejam liberados um mês após o término do bimestre a ser analisado (como se vê, certamente esses primeiros não respeitarão essa regra), e trarão também as outras obras lançadas no período e que não chegaram a ocupar posição na lista (Ainda estrearam). Para finalizar, serão indicadas as produções que não se enquadram nas especificações dos rankings, e que são, então, aquelas que só estão chegando ao Brasil com desvio em relação ao seu ano de lançamento (Filmes remanescentes, onde estarão apenas obras avaliadas pelos dois editores).

Abaixo, o ranking de janeiro-fevereiro. (Os links nos nomes dos filmes no ranking são para suas respectivas páginas no IMDb; nos listados em remanescentes, para suas resenhas no blog.)

#1 | Bruna Surfistinha [6,5]

Mesmo com todos os desvios é possível extrair do filme alguma mensagem sobre, por exemplo, a importância do sexo em uma relação amorosa, tudo de forma bem plastificada e sintética. Bruna Surfistinha é, inegavelmente, uma obra divertida sobre uma mulher que descobriu, em meio a altos e baixos em sua vida, que gosta do que faz, ainda mais se isso lhe retribui fama e dinheiro. É um filme que não será lembrado pelo seu conteúdo, mas pela temática sexual que traz e pelas belas curvas de Deborah Secco. É uma pena, pois poderia ser diferente. (resenha completa) (Flávia)

#2 | Desconhecido (Unknown) [5]

Os suspenses de ação que envolvem trocas de identidade e grandes conspirações já foram bastante e bem explorados no Cinema, e é neste subgênero que se enquadra Desconhecido. Embora não traga qualquer traço de originalidade em sua trama, o filme consegue se manter graças a uma direção eficiente e a uma narrativa com poucas concessões. Se por um lado as participações de Bruno Ganz e Frank Langella representam ótimos momentos, as atuações de January Jones e Aidan Quinn pouco acrescentam a seus papeis sem dimensão. (Mateus)

#3 | Santuário (Sanctum) [4]

A produção de James Cameron se faz visível em vários aspectos, seja na condução de algumas cenas, seja na ótima trilha sonora — momentos que parecem sugados de Avatar. Mas isso funciona, assim como a excelente fotografia e alguns bons momentos de tensão. O problema maior de Santuário é, como se esperaria, a trama superficial, que coloca um drama familiar em meio ao drama do homem versus natureza. E é justamente no primeiro que o filme não consegue envolver. (Mateus)

#4 | Caça às Bruxas (Season of the Witch) [3]

Nicolas Cage, além de já ser um ator que divide opiniões, passa por uma fase de trabalhos em filmes pouco expressivos, salvo sua atuação em Kick Ass: Quebrando Tudo. O diretor, Dominic Sena, não consegue repetir aqui a sua boa performance em 60 Segundos, realizando uma direção fraca em meio a uma história rasa, sem nexo algum. Caça às Bruxas deveria ter ido diretamente para as locadoras, não merecendo o glamour cinematográfico. (Flávia)

#5 | O Ritual (The Rite) [2,7]

Com um roteiro por vezes interessante, mas, em sua maioria, confuso demais, O Ritual se destaca apenas pela atuação de Anthony Hopkins e por uma abordagem um pouco mais realista do exorcismo, sem a inserção de cenas do terror trash e sem sustos gratuitos. No entanto, o longa é apenas mas um filme sobre a religião e o sobrenatural, sendo que nem as interpretações de Colin O'Donoghue e Alice Braga são capazes de tirá-lo do senso comum, sendo essas pouco expressivas. Em meio aos clichês típicos, O Ritual é um longa que comprova a atual dificuldade de valorizar o gênero suspense. (Flávia)

Ainda estrearam: O Besouro Verde [2], Brasil Animado [não avaliado], Justin Bieber: Never Say Never [não avaliado] e Mulatas! Um Tufão nos Quadris [não avaliado].

Filmes remanescentes: Bravura Indômita [9], Cisne Negro [8,9], 127 Horas [7,9], O Discurso do Rei [7,5], O Vencedor [7,5], Enrolados [7], Além da Vida [6], Biutiful [5,8], O Turista [3,4], Amor e Outras Drogas [3,4] e As Viagens de Gulliver [1,6].

Cinema: "Sucker Punch: Mundo Surreal"

2011-06-12T18:55:00.008-03:00

É notável a popularidade que, com não muitos trabalhos na carreira, o cineasta Zack Snyder conseguiu nos últimos anos — não raro, os mais entusiasmados o chamam de visionário, o que é um certo exagero. Suas obras aos poucos foram consolidando suas marcas: o virtuosismo na composição das cenas, as escolhas inspiradas de canções para a trilha, os arrebatamentos de cores supersaturadas, o apoio constante nos efeitos visuais e, a mais notória, o uso frequente da câmera lenta. (Comum é se observar, aliás, que todas elas normalmente são citadas tanto para elogiar quanto para criticar os projetos do diretor.) E todas elas aparecem neste seu quinto filme, Sucker Punch: Mundo Surreal, o primeiro em que Snyder trabalha com uma história original sua.

Pois sendo assim a chance de o diretor explorar com maior liberdade narrativa e visual uma trama que demonstrasse um verdadeiro autor, original e criativo, o resultado não passa do decepcionante. Após perder a mãe e ter a irmã assassinada pelo padrasto, a protagonista é levada por este a um manicômio e, tão logo chega, seu carrasco e o diretor do local já lhe arranjam uma lobotomia para dali cinco dias. Este será o tempo, então, que Baby Doll (Emily Browning) terá para encontrar uma maneira de fugir dali. Que ela o faça enquanto fantasie com um universo em que é uma dançarina de cabaré (o próprio hospício, com os mesmos personagens e mais estilizado), e de onde, mais uma vez, transporte-se a novos universos onde é uma guerreira e segue instruções que eventualmente lhe ajudarão a escapar do hospital, é o máximo de complexidade que a história aparentemente consegue.

Numa análise menos extravagante, essas evasões fantasiosas para o cabaré podem apenas ser uma extensão da interpretação que as pacientes devem fazer conforme sugere o tratamento da doutora Vera Gorsky (Carla Gugino, caricata e divertida). Ou, por outro lado, Snyder deixa pistas de que, enfim, pode não ser Baby Doll a criadora dessas ilusões (o que seria mais interessante). Mas isso pouco importa, afinal; agravante é ver que o cineasta não consegue imprimir significado e importância às cenas para além do que o que elas mostram. Fosse o filme visualmente envolvente e arrebatador — o que não é; é aborrecido e repetitivo —, poder-se-ia atenuar nesse sentido. Mas, já foi dito, a narrativa é um roteiro de videogame (e nada é visto com maior profundidade): as personagens precisam enfrentar batalhas e obter itens para conseguirem passar ao próximo nível — vestidas em trajes curtos, segurando potentes armas e ao som de uma trilha extenuante.

Sucker Punch: Mundo Surreal (Sucker Punch), 2011, Estados Unidos/Canadá, 110 minutos.

Cotação: 3/10

Cinema: "Bruna Surfistinha"

2011-06-01T00:03:00.005-03:00

Há aqueles que esperavam muito do filme, e há aqueles que, como eu, dirigiram-se ao cinema sem expectativas, somando em um saldo final algumas surpresas. Com frases publicitárias no estilo "Seu namorado quer ver? Então mostre pra ele." e "Vá com seu namorado, suas amigas ou sozinha. Só não vá com preconceitos.", a distribuidora do filme já anunciava que a abordagem realizada sobre a vida da garota de programa Bruna Surfistinha seria, em sua essência, artificial. Quando saí do cinema fiquei feliz por não ter sido uma total decepção.

Com graves erros de roteiro, mas com ótimas sequências de gravação e tomadas de câmera, o diretor estreante Marcus Baldini consegue não deixar a narrativa cair na monotonia, seja pela bela atuação de Deborah Secco no papel da prostituta ou pelas inúmeras cenas de sexo espalhadas durante o longa. Ressalta-se que tais cenas sexuais foram trabalhadas de forma inteligente, não havendo que se falar em sexo gratuito com o objetivo único de agradar o público, mas sim de uma estratégia de roteiro em introduzir-nos no dia-a-dia de uma meretriz, automatizando o seu estilo de vida e, consequentemente, transmitindo-nos suas sensações.

Ainda que a rotina de Surfistinha tenha sido trabalhada de maneira satisfatória, é inegável que o diretor acaba tornando-a mais divertida do que talvez fosse na realidade, minimizando certos fatores sociais que de fato ocorrem na atmosfera noturna, deixando-a mais suave e engraçada em certos momentos. Destaque para a atuação de Fabiula Nascimento (Janine), colega de quarto de Bruna, a qual nos proporciona várias gargalhadas com sua histeria habitual. Além da abordagem minimalista a fim de dar alguns intervalos de diversão ao espectador, ainda há no filme o objetivo de mostrar que no fundo de sua sã consciência, Bruna idolatrava sua arte de ofício.

Deborah Secco é tão competente no papel da garota de programa, quanto é uma tragédia na personagem de Raquel. Em um misto de safada, tímida e nerd, Deborah não se encontra na pele da colegial e, oscilando entre santa e rebelde, não consegue demonstrar qual a origem da decepção com a própria vida e da infelicidade de suas relações familiares que, em tese, teriam-na direcionado para a prostituição. Claro que, corroborando com sua atuação indefinida, temos uma narração em off tão falha quanto o roteiro, este fraquíssimo no quesito argumento inicial, ou seja, a história não consegue ser profunda em nenhum momento, dando justificativas psicológicas ridículas como "queria causar algum tipo (?) de reação nos meus pais!".

Além do roteiro precário, observamos falhas principiantes de maquiagem, que, tentando demonstrar que Raquel é uma menina depressiva, esquece-se de deixá-la com uma aparência de uma jovem que cursa o ensino médio, ficando escrachada a incompatibilidade da idade da atriz com a idade da personagem que interpreta (sem falar na tatuagem artificialíssima do famoso escorpião). Assim, o início do filme deixa a desejar, sendo que a história começa a ganhar ares satisfatórios no momento em que Raquel decide assumir sua nova vida, passando a residir com outras prostitutas.

Um destaque que pode ser dado ao filme é a cena que retrata o primeiro programa de Bruna, filmada de forma amarga, suscitando uma certa revolta a quem assiste. Infelizmente, essa experiência é desconstruída, de certo modo, ao final do filme, quando descobrimos que seu primeiro programa foi, também, seu primeiro amor. Essa destruição e reconstrução recorrente da protagonista é uma fórmula muito utilizada pelos roteiristas do longa, tornando a história previsível e repleta de reflexões rasas.

Da metade para o final do filme, o ritmo das cenas aumenta exponencialmente, o que não chega a prejudicar a regularidade do longa, embora cause um pouco de descompasso em sua narrativa. Dessa maneira, o diretor utiliza-se de uma biografia relativamente conhecida, fazendo com que brinquemos de revelar os próximos passos da vida de Bruna com certa facilidade.

Mesmo com todos os devios é possível extrair do filme alguma mensagem sobre, por exemplo, a importância do sexo em uma relação amorosa, tudo de forma bem plastificada e sintética. Bruna Surfistinha é, inegavelmente, uma obra divertida sobre uma mulher que descobriu, em meio a altos e baixos em sua vida, que gosta do que faz, ainda mais se isso lhe retribui fama e dinheiro. É um filme que não será lembrado pelo seu conteúdo, mas pela temática sexual que traz e pelas belas curvas de Deborah Secco. É uma pena, pois poderia ser diferente.

Bruna Surfistinha, 2011, Brasil, 109 minutos.

Cotação: 6/10

Revisitando "Piratas do Caribe"

2011-05-20T03:00:00.004-03:00

Em vista do lançamento de Piratas do Caribe: Navegando em Águas Misteriosas, quarto filme da franquia iniciada em 2003, relembramos aqui a trilogia dirigida por Gore Verbinski (Rango) e escrita por Ted Elliott e Terry Rossio com base na atração de mesmo nome de um parque temático da Disney.

Piratas do Caribe: A Maldição do Pérola Negra (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl), 2003

Johnny Depp conquistou várias indicações a melhor ator por sua elaborada (e arriscada) composição do pirata Jack Sparrow, criando um personagem que, inegavelmente desonesto, egoísta e covarde, conquistava pelos trejeitos trôpegos, pela fala travada e pelo constante cinismo. Não só rendeu ao filme inúmeros elogios, mas conquistou o público e se estabeleceu como ator rentável numa franquia que ultrapassaria os bilhões. As mãos do produtor Jerry Bruckheimer se fizeram presentes nas inúmeras cenas de ação, mas felizmente Verbinski soube conduzir a história com segurança, pecando apenas em alguns pequenos equívocos na narrativa — além de se mostrar um filme mais longo do que o necessário (mas, ainda assim, o mais curto dos três). Tecnicamente irrepreensível e com uma vibrante partitura escrita por Klaus Badelt, A Maldição do Pérola Negra arrebatou cinco indicações ao Oscar: além de melhor ator para Depp, melhor mixagem de som, edição de som, maquiagem e efeitos visuais. Cotação: 6/10

Piratas do Caribe: O Baú da Morte (Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest), 2006

Mais complexo tanto visual quanto narrativamente, o segundo capítulo da série representou um amadurecimento no tratamento de seus personagens, acompanhando com atenção cada uma das tramas paralelas que se formavam. Ainda apresentou o trágico capitão Davy Jones — certamente um marco na técnica do motion capture —, triste e assustador e apoiado na excelente atuação de Bill Nighy. Com as sequências de ação mais criativas da trilogia (e com justas menções ao extenso e impecável trabalho de dublês) e efeitos visuais fascinantes que venceram praticamente todos os prêmios da categoria naquele ano, além de marcar a entrada de Hans Zimmer como compositor na franquia (retomando com a genialidade habitual os principais temas criados pelo compatriota do filme anterior), O Baú da Morte ainda é notável por ter arrecadado mais de um bilhão de dólares em todo o mundo e se estabelecido como a quarta produção de maior bilheteria na História. Venceu o Oscar de melhores efeitos visuais e recebeu mais três indicações: direção de arte, mixagem de som e edição de som. Cotação: 7/10

Piratas do Caribe: No Fim do Mundo (Pirates of the Caribbean: At World's End), 2007

Rodado junto a O Baú da Morte e realizado como continuação da trama deste, No Fim do Mundo abraçou seu caráter épico nas características e medidas: deu fim a uma trilogia, durou quase três horas, trouxe sequências grandiosas e definiu o destino de alguns personagens importantes. As diversas subtramas ainda estiveram presentes, mas por vezes não receberam o desenvolvimento esperado; em contrapartida, os atores se mostraram ainda mais confortáveis em seus papéis, entregando ótimos e genuínos momentos de humor mesmo em meio ao tom de urgência da narrativa — Geoffrey Rush, particularmente, está excelente. Manteve a perícia técnica dos filmes anteriores e atestou a capacidade de Verbinski em comandar produções interessantes, criativas e complexas. Recebeu duas indicações ao Oscar: efeitos visuais e maquiagem. Cotação: 7/10

Cinema: "Rango"

2011-04-21T17:40:00.008-03:00

Numa sequência belíssima de Rango, o camaleão que dá título ao filme caminha sem destino após ter suas mentiras expostas, totalmente inerte ao exterior, parte devastado, parte compenetrado na busca de uma explicação para a linha de eventos que o levou até ali. Isso acontece, no desenvolvimento do arco narrativo, no terceiro ato de projeção, e até aí o que se viu foi Rango buscando uma identidade, uma definição, um sentido à sua existência. A lição final: tornar-se o protagonista de sua própria história.

O camaleão doméstico viajava na carroceria do veículo de seus donos, dentro de uma espécie de aquário, quando, num acidente, é jogado para fora e se vê perdido em meio ao deserto. Em busca de água, acaba chegando a um pequeno vilarejo que, justamente, vem padecendo sob a escassez desse recurso. Alguns acontecimentos e muita sorte acabam-no levando a se estabelecer como um animal intrépido e astuto — algo de que a população dali necessita. Rango sabe que não é tudo isso, mas encara o papel (seu nome, aliás, é parte da interpretação). E é promovido à xerife. No momento em que decide, então, tomar parte do problema, as ameaças começam a ganhar forma, e o réptil se vê em meio a uma trama de conspiração, ganância e exploração. Ele não só precisará se evidenciar como herói; primeiro — e mais difícil e doloroso —, terá de se reconhecer como tal.

O diretor Gore Verbinski encontrou na animação uma forma de homenagear — e, com a diversidade e a estranheza de elementos e referências, de sublevar — um gênero tão caro ao Cinema americano, o faroeste. Para tanto, encontrou na poderosa empresa de efeitos visuais Industrial Light and Magic o arsenal técnico para concebê-la (vindo o filme a ser o primeiro longa metragem animado totalmente desenvolvido pela companhia de George Lucas). Após um ano e meio trabalhando no roteiro, o passo seguinte foi realizar a dublagem dos personagens. Assim, e buscando exercer mais próximo dos atores a função de direção, Verbinski quis seus intérpretes atuando e interagindo entre si conforme pedia a história, o que foi filmado e usado como referência durante a criação da animação junto à ILM (num processo abreviadamente chamado de emotion capture).

E o resultado é assombroso: texturas, cores e movimentos são o ápice que o formato já conseguiu alcançar. Novamente atuando como consultor visual após as notáveis contribuições em Wall-E e Como Treinar o Seu Dragão, Roger Deakins aqui auxilia na criação daquela que talvez seja a fotografia em CGI mais fiel e arrebatadora já concebida. Mas destacar a técnica de Rango é cair no lugar-comum: ela é impecável, e está para ser superada.

É talvez mais espontâneo, no entanto, encantar-se com os personagens e as inúmeras referências. No primeiro caso, seja com o grupo de corujas mariachis que cantam a desgraça alheia, seja com os inúmeros animais que são desenhados às características do velho oeste (e é tudo tão rico e único que é impossível passar indiferente). No campo de homenagens, a própria trilha sonora representa uma surpresa: a música de Hans Zimmer rememora algumas inesquecíveis composições do grande Ennio Morricone, tão representativas dos faroestes spaghetti de Sergio Leone. Mas não só: além de uma enorme galeria de obras e ícones do gênero dos quais o filme toma emprestado alguns elementos, há ainda menções a trabalhos mais populares, como Star Wars e O Senhor dos Anéis, e, numa mesma sequência, aos tão distintos Apocalypse Now e 2001: Uma Odisseia no Espaço.

Ao público cabe o envolvimento (ou não) com algo tão ímpar, diferente, estranho. O diretor declarou que Rango foi feito tendo-se em vista uma concepção live action, e é fácil percebê-lo desta forma. É, a resultado das escolhas dos cineastas, uma obra inovadora — tanto em visual quanto em narrativa. Seu centro, a ser olhado com sensibilidade e entendimento, pode identificar-se mais facilmente com uma plateia mais madura, mas há ali também a emoção e a diversão para seduzir os mais jovens. De qualquer forma, a profundidade e o deslumbre de um faroeste intimista com traços místicos, que refere e celebra o Cinema e criado à luz da inteligência e da tecnologia, não deve ficar à dúvida: é imperdível.

Rango, 2011, Estados Unidos, 107 minutos

Cotação: 7/10

Mais Selos!

2011-04-17T19:07:00.022-03:00

Depois de o Observatório do Cinema ter recebido o Prêmio Dardos, recentemente o nosso blog foi agraciado com mais dois reconhecimentos: o selo Este blog é Recomendadíssimo!, presente do parceiro cinéfilo Weiner (O Brado Retumbante!), e o selo Você é um verdadeiro blogueiro amigo!, indicação do colega Rodrigo (Um Amador no Cinema).

Cada selo tem suas peculiaridadess, então vamos a elas:

Selo Este blog é Recomendadíssimo!

Nome: Mateus Selle Denardin

Uma música: Hung Up, Madonna

Humor: depende do período do dia e do que tenho de fazer nesses momentos

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Como prefere viajar: com a família

Um seriado: Lost, que criou uma ligação enorme comigo

Uma frase dita por você: sempre tenho medo desse tipo de pergunta, porque não sei o que responder

O que achou do selo: uma forma interessante de saber um pouco sobre o colega blogueiro premiado e também de reconhecer o seu "trabalho"

Indicação de seis blogs recomendadíssimos:

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"Cisne Negro": o retrato de uma arte furiosa

2011-03-30T10:04:00.019-03:00

Cisne Negro – Análise Objetiva (Para os que já assistiram ou não)

Lembro-me de quando, por volta dos onze anos, minha paixão pela dança aflorou. Talvez tenha começado tão tarde pois foi única e exclusivamente iniciativa própria querer aprender a dançar. Porém, há aqueles que iniciam nessa arte por vontade de seus genitores, sendo vários os seus motivos. Como uma ex-bailarina frustrada, Erica (Barbara Hershey) deve ter iniciado sua filha Nina (Natalie Portman) no balé a fim de que esta tivesse a perfeição e o sucesso que sua mãe não teve. A dança aqui seria uma tentativa de tornar mais feliz a vida dessa pequena família. Mal sabiam essas duas mulheres o que a dança poderia lhes proporcionar.

Nina é uma bailarina obcecada pela técnica e tem como principal meta ser a atração principal de sua companhia. Ela mora com a mãe, Erica, a qual, ao mesmo tempo em que incentiva a ambição da filha, preocupa-se com sua saúde debilitada. O coreógrafo e diretor da companhia, Thomas Leroy (Vincent Cassel), finalmente escolhe Nina para estrelar a obra O Lago dos Cisnes, deixando de lado a antiga estrela e inspiração da protagonista, Beth (Winona Ryder). A partir dessa conquista, vendo seu sonho se realizar, Nina o transforma em um pesadelo.

Cisne Negro é um filme a ser apreciado em seus detalhes. Desde o início do longa somos apresentados à rotina de Nina, mergulhamos no filme através de seus olhos e observamos a atmosfera sombria que é a psique dessa jovem bailarina. Sua obsessão insalubre pela dança reflete-se em várias cenas as quais nos remetem a seu possível estado bulímico, cleptomaníaco e esquizofrênico. Além disso, não bastassem os seus problemas, sua mãe também apresenta algumas obsessões, como a busca pela perfeição em suas pinturas.

Erica reprime a sexualidade de sua filha tratando-a como uma criança, abarrotando seu quarto de ursos de pelúcia e proibindo qualquer privacidade que sua filha possa ter. Nina parece desconhecer o fato de que a dança, por si só, poderia leva-lá a um orgasmo. Seu pensamento quase religioso crê que o único caminho para se chegar à perfeição é através da subjugação dos prazeres carnais. Essa figura artificial, brochante e vitimizada de Nina está presente também em seus movimentos, os quais são mascarados pela sua perfeita técnica. Logo Thomas Leroy percebe a grande carência que a bailarina possui e tenta ajudá-la a despertar sua sexualidade.

Contrariando o aspecto frágil e sem sal da protagonista, a nova integrante da companhia de dança, Lily (Mila Kunis), surge como uma garota sensual, espontânea e sociável, chamando a atenção do coreógrafo Thomas e, claro, de Nina. A presença de Lily é fundamental para nos aprofundar ainda mais na paranoia da protagonista, pois Lily passa a ser o modelo perfeito de comportamento que ela precisa para interpretar seu cisne negro (Odile).

Darren Aronofsky (Pi, Fonte da Vida, O Lutador) fez de Cisne Negro um thriller psicológico complexo, porém, colocou essa complexidade psicológica em uma narrativa muito simples. Na verdade, o que Darren Aronofsky fez foi uma inteligentíssima releitura da obra O Lago dos Cisnes, sendo que o próprio diretor da uma pista disso quando se coloca na pele do coreógrafo Thomas e afirma que O Lago dos Cisnes já foi interpretado várias vezes, mas agora seria reproduzido “sem preconceitos e em uma abordagem profunda.”

Aronofsky aproveita-se da dança para usar e abusar de espelhos. A câmera que filma a cena por vezes parece não existir diante dos espelhos que a rodeiam, mostrando a perspicácia e originalidade do diretor. O espelho também aparece no filme como uma obsessão particular de Nina, porém, ao mesmo tempo em que ela precisa dele, também o teme, pois é através do reflexo que, em certas cenas, a protagonista enxerga sua insanidade.

A edição de som é fundamental para a atmosfera de suspense do filme, pois os sons nos proporcionam a sensação de uma mente psicopata. Todo o ambiente visual foi trabalhado em seus detalhes, desde a textura perfeita das rígidas penas negras e das delicadas plumas brancas de ambos os cisnes, até a escolha dos figurinos menina/mulher quase caricatos, utilizados por Nina e Lily.

O diretor explora o seu ótimo senso artístico e coloca em prática suas experiências anteriores quando, nos remetendo a Pi, retrata a inclinação autodestrutiva de Nina ou, nos remetendo a Fonte da Vida, confunde nosso senso de realidade. Na direção, Aronofsky faz a câmera dançar, acompanhando os movimentos de Nina, conseguindo transpor a loucura dessa bailarina em uma direção carregada que se faz presente em cada segundo do longa, mostrando que é um diretor tão perfeccionista quanto sua protagonista.

As atuações são pesadas e homogêneas, todas contribuindo para o desenvolvimento obscuro da trama. Vincent Cassel, Winona Ryder, Mila Kunis, Barbara Hershey, todos se destacam, sendo injusto pincelar um ou outro trabalho, devido à perfeição e meticulosidade de suas interpretações. Porém, de maneira nenhuma seria injusto destacar a atuação de Natalie Portman, seja pela destreza e dramaticidade diferencial exigida dela em cena, ou seja por toda a preparação física a que esta se submeteu para interpretar uma bailarina de fina técnica.

Resultado de um trabalho metódico e furioso de Darren Aronofsky, Cisne Negro pode ser considerado a obra-prima do diretor até agora. O apuro visual e a plasticidade artística do filme, contrapondo com sua profundidade psicológica, faz dele uma obra de narrativa simples, mas com uma atmosfera complexa, sendo impossível classificar o seu gênero ou o seu tipo de público.

Cisne Negro – Análise Subjetiva (Somente para os que já assistiram)

Como já falei anteriormente, expondo meus motivos, a narrativa de Cisne Negro é simples. A uniformidade do filme se mostra em um roteiro redondo e preciso. Então, o que dá ao filme esse ar de complexidade? É justamente o fato de o diretor nos infiltrar na mente de Nina, confundindo-nos entre a loucura e a realidade de fato apresentada na história. A partir daí, todos os personagens nos parecem estranhos, irreais, exagerados ou psicopatas. Thomas Leroy, um tarado sem escrúpulos; Beth, uma maníaca... Na verdade, há somente uma pessoa anormal no filme. O único obstáculo de Nina à perfeição como bailarina é ela mesma.

O roteiro de Aronofsky deixa em aberto a possibilidade de se passear entre o real e o imaginário a respeito de vários personagens, como, por exemplo, em relação a Lily. Seria ela uma imaginação/projeção do que Nina sempre desejou ser? Seria Lily realmente uma promíscua disposta a fazer de tudo para roubar o papel principal? Ou seria Lily uma bailarina normal, uma jovem cheia de vida que desejasse o lugar de Nina tanto quanto as outras bailarinas? E a mãe de Nina, seria a culpada de tudo (como diria a psicanálise)? Na verdade, por vezes sua mãe mostra-se razoável quando, por exemplo, não permite que Nina vá à sua apresentação ao constatar seu deplorável estado psíquico.

Embora "a culpa" não seja exclusivamente materna, Cisne Negro utiliza-se de várias premissas psicanalíticas as quais cercam de mistério a personagem principal, sendo as antigas teorias de Freud as mais recorrentes. A clássica interpretação do sonho como realização dos desejos inconscientes (Id) está claramente explicitada no filme, principalmente nas cenas em que o prazer sexual de Nina é retratado, não deixando margem para interpretações simbólicas.

Sem dificuldades somos capazes de perceber que quase todas as teorias sexuais de Freud podem se encaixar em Nina: a mais presente talvez seja seu Ego infantil e neurótico que resiste trazer os desejos à consciência, defendendo-se deles através de repressões e outros mecanismos de defesa. Levando-se em consideração tais explicações, busca-se a razão da loucura de Nina em todas as lacunas do longa, tornando-o ainda mais complexo.

A narrativa do filme é tão sensível à arte que retrata (a dança), que se utiliza de várias analogias. Uma delas representa o momento mais tenso que uma bailarina pode vivenciar - o erro, a queda em cena - como uma necessidade de renascimento dessa mesma bailarina, pois o espetáculo ainda não chegou ao fim. É no momento da queda que o cisne negro definitivamente desperta em Nina.

Juntamente com a sensibilidade de Aronofsky, a direção de arte e os efeitos visuais tornam a loucura da protagonista ainda mais real. Os efeitos que dão a ela a aparência de ave (o aspecto escamado da sua pele, o momento em que ela imagina-se sofrendo uma mutação) são impressionantes. A direção artística e, claro, o extenso trabalho que os professores de balé tiveram com Natalie Portman são exibidos durante o longa sem hesitação em cenas que fazem questão de mostrar que Portman pouco se utilizou de sua dublê. A cena em que Nina interpreta Odile no terceiro ato constitui o ápice de sua dramatização assustadora, mostrando um dos maiores trabalhos que Natalie já fez para o Cinema.

Cheio de metáforas, ambiguidades, dicotomias e extremos, Cisne Negro é um filme tecnicamente perfeito (como sua versão branca) e visceralmente apaixonante (como sua versão negra). É uma mensagem de vários sentidos transmitida aos artistas e profissionas que buscam a perfeição em seu ofício. É um caminho que parte da doçura e delicadeza de uma bailarina até seu momento mais selvagem e destruidor. É uma releitura psicodélica da obra O Lago dos Cisnes feita para o Cinema, sendo um verdadeiro manual de criação artística.

Cisne Negro (Black Swan), 2010, Estados Unidos, 108 minutos

Cotação: 10/10

Cinema: "Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles"

2011-03-24T02:30:00.006-03:00

Não deixa de ser irônico que, tendo sido realizado (e distribuído nas salas que suportam o formato) com a técnica de maior resolução de exibição disponível no momento, Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles seja um filme que talvez não permita ao público apreciar tal qualidade. Afinal, aparentemente inspirando-se no péssimo Armageddon, aqui é difícil encontrar planos estáticos ou que durem mais de alguns décimos de segundo, funcionando tanto no sentido de nausear os espectadores quanto de esconder os frágeis e desinteressantes efeitos visuais (eufemismo).

A narrativa abre com um panorama de Los Angeles em meio ao caos da destruição, e para onde se dirigem inúmeros helicópteros e outros equipamentos de guerra. Ao fundo ouve-se uma frase sobre "não abandonar a cidade", e logo então entra um flashback — que, mostrando os acontecimentos das 24 horas anteriores, ocupará quase toda a metragem restante da produção.

Então a tragédia começa (e aqui dá para interpretar da forma que quiser). Os soldados que irão fazer parte do grupo que a história acompanha são apresentados. E, novidade, é o típico batalhão heterogêneo lugar-comum dos filmes do gênero. Há os latinos, os asiáticos e os afro-americanos religiosos e com sotaque carregadíssimo (e daí se moram nos Estados Unidos?); o que vai para a batalha às vésperas do casamento; e o comandante que, logo após dispensado, é readmitido para sua última tarefa — e, claro, mais tarde aparecerá também a mulher durona entre eles, que pode ser considerada um clichê duplo visto a atriz que a interpreta.

O grupo se estabelece e é largado em meio a explosões e objetos flamejantes que caem do céu, e que eles (e o público que não leu nem viu nada sobre o filme) a princípio não fazem ideia do que sejam. A narrativa se limita a acompanhá-los de lado a outro enquanto lançam vez por outra não mais que frases imperativas (porque desenvolvimento de qualquer coisa não há aqui). Mas isso é uma tarefa árdua, acompanhar trama tão rasa: a câmera balança tanto e a montagem é tão desesperada a ponto de nada fazer sentido na tela.

E, além disso, em meio à propaganda militar escancarada, às vezes surgem dramas risíveis, tão deslocados e implausíveis que é difícil se envolver. Aliás, esperar trabalhos técnicos decentes de projetos que dispõem de tanta tecnologia a seu favor a fim de se criarem as condições mais verossímeis possíveis também parece ser demais: ou como explicar a edição sonora desatenciosa em que mal se ouve o som das hélices dos helicópteros? Há inclusive uma cena em que aparecem dois personagens gritando dentro da aeronave sem motivo para tanto, já que não há som de fundo alto o suficiente para justificar a atitude durante uma conversa.

Absolutamente desnecessário em qualquer escopo a que se propõe, técnica e narrativamente pobre, cansativo e esquecível, Batalha de Los Angeles é daqueles filmes para se colocar entre os piores nas listas de fim de ano. Batalha mesmo, isso sim, é aturá-lo até o final.

Invasão do Mundo: Batalha de Los Angeles (Battle: Los Angeles), 2011, Estados Unidos, 116 minutos

Cotação: 1/10

Cinema: "Biutiful"

2011-03-15T02:23:00.002-03:00

Biutiful retrata a vida de Uxbal, uma pessoa aparentemente simples em uma estrutura social complexa. Um filme desconfortante e de difícil apreciação, pois nos apresenta uma realidade na qual não estamos diretamente inseridos, não desejamos estar, e não queremos aceitar que existe. Biutiful inicia-se com uma história enigmática, mostra o universo chocante no qual a trama irá se desenrolar e trabalha com variadas questões relativas à sociedade, como a disparidade social, a prática de negócios ilícitos, a questão da crendice popular, entre outras.

Uxbal (Javier Bardem) é retratado sob vários ângulos. De um lado coordena atividades ilícitas que lhe proporcionam seu principal sustento. De outro lado possui o dom de falar com os mortos, o que lhe rende alguns trocados. Não bastasse isso, Uxbal ainda é pai de dois filhos e, além de se responsabilizar por eles, acaba tendo que cuidar de sua ex-companheira Maramba (Maricel Álvarez), uma mulher viciada e instável psicologicamente. É impressionante observar como o diretor Alejandro González Iñárritu consegue nos imergir em cada um desses ângulos, afogando-nos na vida do protagonista.

Indiscutivelmente que a direção de Iñárritu se torna presente em seu modo característico de retratar seus personagens como vítimas da sociedade e em dividir com o telespectador sua visão pessimista (ou talvez, realista?) de mundo. Ao centrar-se na vida de um único personagem, Alejandro González Iñárritu rejuvenesce seu estilo no retrato de histórias paralelas, pois aqui, ao invés de oscilar entre vários personagens, o diretor despedaça a vida de um homem só. Além da direção, Iñárritu também assina pelo roteiro, abandonando a parceria com seu antigo roteirista Guillermo Arriaga, o qual escreveu a Trilogia da Morte (Amores Brutos, 21 Gramas e Babel).

Nos pormenores do filme, o roteiro por vezes é confuso. De fato, é difícil pôr em tela tantos fatos paralelos, tantas mazelas sociais e tantas reflexões sobre o material e o imaterial. As ditas crenças trabalhadas no filme são, por vezes, inseridas de forma aleatória sem, de concreto, contribuir para a progressão da história. Vê-se aí talvez uma dificuldade que Iñárritu encontrou ao abandonar a parceria com Arriaga, pois, mesmo que aquele tenha sido responsável por ambos roteiro e direção, não se observa perfeita homogeneidade entre eles.

Deixando de lado os tropeços do longa, sua beleza se dá justamente na crueza e no amargor da fotografia, a qual é escura, sombreada, carregada de uma luz extremamente compatível com o real. A edição de som do filme também se preocupa em transpor com realismo os sentimentos do protagonista para a telona, como em uma cena em que ele abraça sua filha e o compasso da batida cardíaca do personagem é claramente audível. A complexidade da trama se reflete nas responsabilidades que Uxbal tem, principalmente na insistente tarefa em resolver questões pendentes de sua vida, as quais vão se tornando bolas de neve. Desde o início do filme, viver é uma tarefa árdua, um karma como diriam os budistas, um sonho difícil de ser concretizado.

Em relação às atuações, Javier Bardem apoia seu personagem em uma interpretação lírica, demonstrando a vivência infortunada de um sobrevivente da atroz sociedade, de um cidadão rodeado por violência e ciente de que suas opções de sucesso são baixíssimas. As atuações dos filhos de Uxbal são convincentes e meticulosas, principalmente a atuação de Guillermo Estrella (Mateo). Maricel Álvarez surpreende em um papel desafiador, pois é segura e robusta em sua interpretação.

Erram aqueles que pensam ser Biutiful um filme sobre a morte. O filme é sobre a vida, sobre uma trajetória reproduzida em seus cruéis detalhes, sendo que quando a morte é retratada no filme, esta sempre oscila entre duas interpretações: a da libertação ou a da maldição. Há também um cunho social muito forte dentro do filme, pois este deixa claro que o fato de o personagem apenas sobreviver provém de uma hierarquia social estratificada, de uma clara falta de oportunidades para uma vida digna.

Biutiful, portanto, é intenso para aqueles que conseguem mergulhar em sua aflitiva história. Mesmo com os seus tropeços, o filme segue uma lógica interessante e original, sendo uma contraproposta às fórmulas hollywoodianas. É um filme que vale as horas gastas, mesmo que for apenas para descobrir que beautiful não é a vida do protagonista e, vai ver, por esse motivo é que se escreve errado.

Biutiful, 2010, México/Espanha, 148 minutos

Cotação: 7/10

Aniversário do Blog

2011-03-13T13:43:00.000-03:00

Semana passada (dia 05/03/2011) o presente blog completou um ano de existência. Gostaria de agradecer em meu nome e em nome do Mateus a todos aqueles que ajudam a fazer desse espaço uma porta de entrada à sétima arte. Obrigada aos leitores que contribuem para o crescimento desse blog, desde os participantes mais ativos que fazem questão de comentar sobre as postagens, como até mesmo aos leitores que são mais tímidos e não comentam, mas ao final do post se identificam (ou não!) com as nossas opiniões.

E para comemorar o primeiro ano de vida desse espaço, nada melhor do que uma festa ao estilo “1 ano”, com um bolo enorme e colorido. Melhor ainda se esse bolo tiver como tema o próprio cinema. Virtualmente, o blog os oferece cinco opções diferentes de bolos cinematográficos. Escolha sua fatia e vamos comemorar!

Alien

Toy Story

Star Wars

Harry Potter

A Noiva Cadáver

Cinema: "Burlesque"

2011-03-09T01:00:00.021-03:00

Burlesque se une ao grupo de musicais que escala cantores de verdade para o seu elenco, seja como forma tanto de evitar a preparação de atores para os seus números de canto (e escapar de constrangimentos como Pierce Brosnan em Mamma Mia!) quanto, claro, de atrair mais atenção do público ao trazer estrelas da Música para a sala de cinema. No filme que marca a estreia na direção do ator Steve Antin (também responsável pelo roteiro), o que reinam são os lugares comuns — todos os possíveis —, que, somados a canções pouco interessantes e vazias (uma ou outra se destaca), resultam em uma obra que nunca consegue aqueles verdadeiros momentos de catarse emocional ou deslumbre visual que os grandes títulos do gênero ofereceram.

A narrativa começa com uma brevíssima contextualização da protagonista: Ali (Christina Aguilera, em seu primeiro papel no Cinema) é uma jovem que trabalha num bar numa cidade do interior dos Estados Unidos e que decide, certa de suas habilidades musicais natas, abandonar seu emprego e sua vida sem perspectivas e partir para Los Angeles. É uma introdução tão direta que chega a parecer uma abordagem rasteira, mas há de se elogiar a direção nesse sentido: não há qualquer confronto de Ali com o patrão ou uma situação de extremo infortúnio que praticamente a obrigue a ir para a cidade grande; ela já aparece em cena decidida, e a fotografia tem grande papel em escancarar a tristeza e abandono do local. Mas se o filme exibe tamanha economia narrativa nessa sequência, é porque quase duas horas de clichês intermináveis estão por se seguir.

Ironicamente, em Los Angeles, ela eventualmente acaba indo trabalhar como garçonete na casa de apresentações burlescas que dá título ao filme. A responsável pela boate, Tess (Cher), está cheia de dívidas, mas recusa-se a vender o espaço — de que o ex-marido (Peter Gallagher) é metade dono — ao magnata Marcus (Eric Dane), que, ela só saberá mais tarde, pretende construir um enorme residencial no local. Já Ali quer é mesmo poder participar das apresentações do lugar, mas é constantemente desprezada por Tess em suas tentativas. Certo dia, porém, num ensaio para novas dançarinas, ela consegue uma chance, impressiona e acaba entrando no grupo. Obviamente, ela afinal vai ajudar a salvar o espaço, não sem antes passar por intrigas com outras garotas, supostos conflitos de interesses e um romance insosso com o bartender (também compositor) interpretado por Cam Gigandet.

Antin acompanha muitos momentos com a câmera balançando em excesso e sem motivo; as escolhas de fotografia tendem fortemente à artificialidade, mas plasticamente oferencendo alguns belos planos; os figurinos são criativos e se encaixam bem nas canções e nas coreografias; certas sequências musicais guardam algum ânimo, mas no geral não são muito envolventes (trazendo inclusive referências a Chicago e Cabaret). Mas é realmente a trama frágil e apoiada em atuações — em sua maioria — igualmente fracas que relega o filme ao esquecimento. No entanto, Burlesque, mesmo em sua futilidade, é uma obra inofensiva. Que se vê e, não raro, sente-se indiferença.

Burlesque, 2010, Estados Unidos, 119 minutos

Cotação: 4/10